domingo, 24 de octubre de 2010
viernes, 15 de octubre de 2010
Terra Stereo Los 10 mejores solos de guitarra de todos los tiempos, según Gibson
1. “Stairway to Heaven” de Led Zeppelin (solo de Jimmy Page). En muchas tiendas de guitarras de los Estados Unidos había un cartel que decía: “Prohibido tocar el solo de Stairway to Heaven” debido a que todo principiante ensayaba esa solemne construcción de acordes que Jimmy Page dejó para la posteridad. Pero el éxito de este tema de 8 minutos se debió precisamente a su prolongada duración. Según refiere Charles R. Cross en su libro biográfico de Led Zeppelin, “Shadows Taller Than Our Souls”, “unos 100 DJ’s me juraron que sólo tocaban la canción porque necesitaban un descanso algo prolongado para fumar. Si hubiese tenido un minuto menos, no podrías fumar un cigarro completo; si tuviese un minuto más, hubiese sido demasiado larga”.
2. “Eruption” de Van Halen (solo por Eddie Van Halen). Llamado como el mejor solo de guitarra de todos los tiempos por muchas publicaciones, Gibson decidió que esta improvisación vertiginosa de Eddie Van Halen quedara en el segundo lugar de su lista. El tema instrumental venía incluido en el primer disco del grupo y dejó firmado una carta de presentación luminosa de lo que esta banda tenía por ofrecer. La introducción de la canción está basada en el tema “Let Me Swin” de Cactus. Como muchas de las grandes canciones de la historia, este complicado diseño sonoro no iba a ser parte del disco, Eddie Van Halen siempre usaba estos acordes para calentar antes de grabar en el estudio, y fue el productor Ted Templeman quien sugirió registrarlo. “Yo ni siquiera toque bien. Hay un error en la parte final de eso. Al día de hoy, cada vez que lo escucho, siempre pienso: “yo pude haber tocado mejor”, dijo el guitarrista.
3. “All Along the Watchtower” de The Jimi Hendrix Experience (solo por Jimi Hendrix) Este es, además, uno de los mejores covers de todos los tiempos, y la revisión que hizo Jimi Hendrix de esta vieja canción de Bob Dylan dejó un registro de guitarra insuperable. La versión original es de 1967 y un año después el guitarrista decidió reinterpretarla e incluirla en el disco “Electric Ladyland”. Hendrix supo darle su toque particular de rock psicodélico, metiendo -entre verso y verso- solos de guitarra casi imposibles de tocar, y experimentando (a fin de cuentas Hendrix fue un pionero) con todo tipo de efectos y sonido estéreo, una novedad del momento.
4. “Hotel California” de Eagles (solos de Don Felder y Joe Walsh). Esta es una de las canciones míticas de la historia de la radio, un precioso tema de amor que fue acusado de ser satánico, debido una serie de mitos y leyendas que se tejieron en su entorno. Basado en la historia de un hotel ubicado en Baja California, la historia cuenta que fue compuesto ahí, aunque los miembros del grupo dicen que nunca fueron al lugar. Fue acusada de ser satánica, por hablar de una supuesta iglesia ocultista, que sirvió para el despegue de la banda que con la edición de este sencillo se convirtió en un éxito en muchos países. Las fábulas hicieron crecer más a este tema que cuenta con un solo de guitarra inolvidable y que muchos trataron de interpretar al escucharlo al revés diciendo que había mensajes encriptados.
5. “Comfortably Numb” de Pink Floyd (solo de David Gilmour). El punto más alto e intenso de “The Wall”, el disco doble de 1980, es cuando David Gilmour trae abajo todo poder de contención con un solo de guitarra punzante. El dramático de la guitarra se posesiona de la persona de “Pink”, el personaje del filme dirigido por Alan Parker, para realizar una construcción armónica e inquietante de la guitarra que fue considerada por muchos años como el mejor solo de la historia de PInk Floyd, y en la encuesta realizada por la revista Guitar World quedó en el cuarto lugar. David trajo el demo a las grabaciones de “The Wall”, Waters escribió la letra y algunos arreglos, dándole su estructura característica, fácilmente diferenciable del demo original.
6. “Free Bird” de Lynyrd Skynyrd (solos de Gary Rossington y Allen Collins). Enfrentada legendariamente con “Stairway To Heaven” de Led Zeppelin, por su equilibrada y virtuosa progresión de acordes de guitarra, este sencillo de 1973 contiene un solo de guitarra de 4 minutos que fue un duelo entre los dos encargados de las seis cuerdas en el grupo. La versión en vivo de la canción, que cuenta con una duración de 16 minutos, tuvo más éxito que la versión de estudio. El tema es uno de los himnos del rock sureño y quedó inmortalizado como la canción de despedida a la banda cuando, lamentablemente, perdieron la vida varios de sus miembros en un accidente de aviación en 1977. Una auténtica tesis de cómo tocar la guitarra es también una de las canciones más sonadas en series de TV y películas.
7. “Layla” de Derek and the Dominos (solos de Eric Clapton Duane Allman). Eric Clapton tiene que estar en cualquier lista de solos de guitarras gracias a este tema de 1970, que fue editado en el disco de Dereck and the Dominos llamado “Layla and Other Assorted Love Songs”. La canción fue escrita para Patty Boyd, la bella mujer con la que se casó tanto George Harrison como el mismo Clapton, motivo de disputa y distanciamiento entre los músicos y amigos. Por aquel entonces, el popular “slow hands” manifestaba una creciente adicción a la heroína, lo que le representaba un problema a la hora de pertenecer a una banda o mantener relaciones estables, pero todo esto cambió cuando Patty se acercó a él durante una crisis matrimonial pidiendo consejo, fue así que el guitarrista se enamoró profundamente de ella. De esos encuentros surgiría “Layla”, una canción dedicada encubiertamente a esta musa, y cuyo nombre se inspiró en la historia de amor árabe “La historia de Layla y Majnun”, del poeta clásico persa Nezami.
8. “While My Guitar Gently Weeps” de The Beatles (solo de Eric Clapton). Nuevamente Eric Clapton figura en la lista de los 50 mejores solos de guitarra elaborada por Gibson con esta participación estelar en el “Álbum Blanco” de los Beatles. Llamado por muchos críticos como un solo de guitarra “extraterrestre”, George Harrison definió la participación del blusero de esta manera: “Eric lo grabó, y a mí me pareció que estaba realmente bien. Entonces lo escuchamos de nuevo y él dijo: ‘Creo que hay un problema: no es lo suficientemente beatle’. Así que la pusimos en el ADT [automatic double-track] para bambolearlo un poco”. Clapton no estuvo animado inicialmente en aceptar la invitación al estudio, ya que señaló en su momento: “Nadie toca con los Beatles”.
9. “Johnny B. Goode” de Chuck Berry (solo de Chuck Berry). Se trata de una de las canciones más versionadas de la historia y sirvió para definir en 1958 cual debía ser la estructura y actitud de un rockero cuando todo estaba en la prehistoria. Según Joe Perry de Aerosmith: “Si quieres tocar rock & roll tienes que empezar aquí”, mientras que la Rolling Stone incidía “tiene la mejor introducción de la historia del rock: un explosivo y agudo punteo conducido por las punzantes notas de Berry”. Y Keith Richards, guitarrista de los Rolling Stones, la define como: “preciosa, sonaba natural y el tempo era perfecto”. La jocosa visión de la vida en la música fue la fuente de inspiración para una larga lista de grupos que tomaron esa actitud provocadora de Chuck Berry y que hicieron que nazca esa revolución cultural y social que se llamo rock.
10. “Bohemian Rhapsody” de Queen (solo de Brian May). Grabada en el verano de 1975 para las sesiones del disco “A Night On The Opera”, esta es la tarjeta de presentación del magnífico Brian May. La canción es pura inspiración de Freddie Mercury, pero el sello personal y amplificado del guitarrista hizo de Queen una banda de estadios. La canción no posee estribillo y consiste en seis secciones: una introducción a capela, una balada, un solo de guitarra, un segmento operístico, una sección de rock y una coda que retoma el tempo y la tonalidad de la balada introductoria. El solo de guitarra de esta canción ha sido considerado el vigésimo mejor de todos los tiempos por muchas publicaciones, pero Gibson decidió colocarlo en la décima posición. Cuando se puso a la venta como singles, “Bohemian Rhapsody” se volvió un éxito comercial. En 1977, dos años después de su lanzamiento, la British Phonographic Industry nombró a la canción como el mejor sencillo británico entre 1952-1977.
http://www.terra.com.pe/terrastereo/noticias/mus27468/10-mejores-solos-guitarra-todos-tiempos-segun-gibson.html
domingo, 3 de octubre de 2010
martes, 7 de septiembre de 2010
Tote King - Redes Sociales [2010]
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domingo, 5 de septiembre de 2010
sábado, 4 de septiembre de 2010
martes, 24 de agosto de 2010
The Manhattan Transfer – Brasil (1987)
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The Manhattan Transfer se formó en Nueva York en 1972 cuando Tim Hauser conoció a Laurel Massé durante un viaje en taxi, y ambos descubrieron su afinidad por el mismo tipo de música. Posteriormente Laurel también se encontró con Janis Siegel, en ese momento cantante en un grupo folk, y la convenció de sumarse al proyecto. Finalmente la formación inicial se completó con Alan Paul, galán y cantante en Broadway, el 1 de octubre de 1972, la que se considera como fecha de fundación del grupo. En 1978 Laurel Massé decidió abandonar el grupo para desarrollar su carrera solista, y fue reemplazada por Cheryl Bentyne. Esta formación (Laurel, Siegel, Paul y Bentyne) se ha mantenido inalterable desde entonces.
***
Este fue el décimo álbum de estudio de este fantástico grupo vocal estadounidense, relacionado principalmente con el jazz, pero que no dudaron nunca en aventurarse en otros géneros musicales. Aquí hacen una aproximación a la música de Brasil, haciendo especial hincapié en las canciones de Djavan (cinco de las 9 le pertenecen).
El disco es excelente (de hecho ganó el Grammy a Mejor Performance de Grupo Vocal de aquel año), porque respeta el formato original de las canciones, claro que con arreglos que las hacen más cercanas al jazz y al pop, a lo que colabora la reescritura de las letras originales. Eso, y la participación en el trabajo del propio Djavan y también de Milton Nascimento conjugan un disco delicioso que siempre ha estado entre mis favoritos (las versiones de "Asa", "Capim" y "Sina" son sencillamente fabulosas), y la idea de publicarlo surgió como un inmediato complemento al excelente trabajo de Kurtigghiu con la comparativa entre Djavan y Loredana Berté.
Más información en la NUEVA CASA!
More information on NEW HOUSE!
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lunes, 16 de agosto de 2010
EL LEGADO DE HILARIO CAMACHO
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Hilario Camacho sigue siendo muy importante para miles de personas. Hace una semana, Laura Martín me recordó que hoy, lunes 16 de Agosto, se cumplen 4 años de la muerte de Hilario. En ese momento, un impulso me llevó a ponerme en contacto con varios cantautores para los que Hilario supuso algo importante. Agosto no es un mes fácil para reunir tantos testimonios, por lo que el valor de las palabras de los siguientes amigos músicos para mi es importantísimo. Su rapidez en contestarme y el cariño que desprende cada uno de los siguientes textos, es el mejor ejemplo de que el legado de Hilario Camacho está más vivo que nunca.
No sabría que canción elegir. Quizá Dolores. Me llega por el texto, tan hermoso, y la difícil sencillez de su melodía.
Recuerdo los paseos que nos dábamos, a principio de los ochenta. Era un hobre feliz, en esos años. Un músico respetado y querido por todo el mundo. Recuerdo que no paraba de hablar. Me gustaba escucharle, y aprender de él. Oigo sus discos, y me gusta recordarle. En un libro que estoy escribiendo, le dedico un poema.
En la época en la que empezamos a currar juntos Sabina y Viceversa, Hilario sacó un disco llamado "La mirada en el espejo" que nos impresionó mucho a todos. Hilario se reinventó y se convirtió en un artista admirado por mis amigos músicos y no músicos. Desde ese día empecé a mirarle con otros ojos.
Luego hicimos unos conciertos juntos en los que Hilario solía abrir plaza y Sabina solía cerrarla, como en el Conde Duque de Madrid. Siempre nos impresionó mucho la calidad de su banda (José Romero & co) y reconozco que había un pequeño pique de Viceversa al escuchar a semejante grupo.
Las canciones que más me impactaron siempre de Hilario están ambas en "La mirada en el espejo" y abren el disco. Se llaman "Final de viaje" y "Tú".
Creo que Hilario fue el primer artista que me echó un piropazo como músico ¡y yo siempre se lo agradeceré!
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Hilario fue uno de los primeros cantautores españoles que supieron mirar a los cantautores norteamericanos y experimentar con su música. Fue un gran compositor y ya tiene un puesto dentro de la historia de la música española. Es uno de nuestros referentes claros. De hecho, Joaquín Sabina se apoyaba mucho en él en sus comienzos (Hilario compuso alguna de sus canciones) y se nota en la música de Sabina como una influencia clara. No sólo influyó en él, sino en muchísimos músicos y compositores.¿Mis favoritas? Pues te diría algunas de las más populares, como "Tristeza de amor", porque esta canción la escuchaba en televisión cuando era pequeño y me recuerda a mi infancia, y tiene una gran letra y una melodía preciosa. Otra de las clásicas, "Cuerpo de ola", porque tiene el "nosequé" extraño de las grandes canciones.
Sí, tuve ocasión de conocerle personalmente y estar algunas tardes en un local de ensayo que tenía detrás de gran vía donde pasaba los días y a donde acudían músicos para tocar con él en plan improvisación. De hecho, una vez tocamos juntos una canción mía. Y una noche vino a un concierto mío que daba yo en una pequeña sala de Madrid a verme y le saqué de invitado a cantar una canción (le pedí "cuerpo de ola" y me lo concedió). Fue hace muchos años, cuando yo empezaba, y un año antes de que falleciera. Era un tío muy humilde y sencillo. Desde aquí sólo decir: Grande Hilario.
CHEMA LARA 
El primer recuerdo que tengo de Hilario son sus canciones. Aquellos veranos en el pueblo, tocando la guitarra y cantando las que me enseñaban los mayores, de él y de otros. Muchas de esas canciones, las que más me gustaban, eran y son de Hilario, y me acompañaron muchos veranos más, así como el resto de mis días.
Probablemente "Los cuatro luceros" o "Final de viaje", por la energía que tienen de recordarme aquellos buenos ratos con la pandilla. La primera la interpreté en el homenaje que se le hizo en Collado Villalba, conducido por mi amigo Carlos de Abuín, y presentado por Beatriz Pérez Otín y un tipo llamado Víctor Alfaro, aunque quizá me llegue un poco más "Final de viaje", no sólo por las palpitaciones sentimentales que me transmite, sino por su hermosa musicalidad y mensaje. La he versionado varias veces en directo (incluso con músicos que tuvieron la suerte de acompañar a Hilario en vida, de gira) y me sigo emocionando al interpretarla.
Tuve ocasión de asistir a la grabación, en la ya desaparecida sala "La Nave", del disco "En Concierto" (1997), producido por el gran José Antonio Romero. Cristina Narea, corista en aquel disco, tuvo el detallazo de invitarme. Lo disfruté enormemente, y todavía hoy, permanece presente en mi retina y oídos. En Clamores también le vi y charlé brevemente con él, quizá dos o tres veces más. Fue en esa sala, en un concierto en el que yo actuaba con músicos amigos suyos y compañeros de bolos, al que él se acercó, donde me presentaron al pequeñito grande HILARIO CAMACHO.
FRAN FERNÁNDEZ 
Hilario Camacho cantó en el Festival del Zaidin de mi ciudad, Granada (1997), cuando yo aprendía a oir; mi padre sorprendido de ir con su hijo de 15 años a un concierto en el que cantaban Antonio Vega, Armando y el Expreso de Bohemia, Raúl Alcover e Hilario Camacho; a todos, en diversos momentos y años después, tuve la suerte de conocerlos. Con Hilario coincidí varias veces; fue jurado de un concurso en el que participé, de esos que nunca gano, aún hoy agradezco sus palabras en los camerinos "tenías que haber ganado tú…pero no he podido hacer nada…" Un tipo gris, como todo el que hace canciones, parece que al hacerlas nos viésemos metidos en una transición cromática que nos privase de colores mas allá de las canciones, volviéndonos por momentos taciturnos, como si vendiésemos el alma a la música. Con Hilario Camacho aprendí el Sol mayor para tocar Cuerpo de Ola y todavía cuando veo un taxi recuerdo "taxi! Sáqueme de aquí!, lléveme por la ruta del azar, dirección prohibida sin parar hasta el mar…" es el poder de las canciones, una forma de traspasar el consciente colectivo y hacerte presente a través de los años, eso es magia.
Ese alo de necesitar protección, ese aura musical con el que se hace invencible a través de los años.
No se cuan culpables son Hilario, Silvio, Carlos Goñi, Aute, Ismael y Quique de que esté dedicando mi vida a cantar, lo que si se es que sin uno solo de ellos, no lo estaría haciendo. Así que bendigo la música y a todos los que la hacen, y en especial en un día como hoy, a Hilario Camacho, a sus colores y a la capacidad de traspasar el tiempo y permanecer en al aire.
CARLOS DE ABUÍN
"El llanto del mundo es amor..." cantaba el sabio e inevitable cantautor madrileño en el mejor disco de toda su carrera; el extraordinario album titulado "De paso". "El llanto del mundo es amor..." cantamos dentro de nuestro corazón, todos los que le queríamos y admirábamos, que somos muchos, cuando se nos fué el poeta, el maestro, el amigo, hace ya cuatro años. Un llanto coral, pero, efectivamente, afectuoso y colmado de admiración por su obra y sobre todo por su personalidad: generosa y alejada de todo conflicto.
Para mi, Hilario, como para muchos, era ese referente eterno; era la voz concluyente,la voz de la pulida perfección; era el autor cabal, el compositor experto en aunar textos ajenos con una música exacta; el bardo capaz de formar el verso mas sencillo, hermoso y delicado...
En fin, van pasando los años desde su necia muerte (pocas hay que no lo sean) y de vez en cuando tropiezo con su numero de teléfono -que todavía no he borrado- en el móvil. Durante un momento, olvido que ya no está, y me atrapa el impulso de llamarle para aquella comida juntos que se nos quedó pendiente. Ay, si es que ya lo cantaste una vez tu, Hilario: "Alimento el vicio de soñar". Pues eso...
Muchas canciones de Hilario significan mucho para mi, pero si tuviera que escoger una, sería, sin duda "El agua en sus cabellos" gracias a la cual pude conocerle, y que él escucho una vez, y recuerdo que le gusto mi versión -dijo- porque yo la hacia distinta a él.
Vi en directo, si no me equivoco, dos veces a Hilario: una en la Sala Galileo Galilei, un gran concierto que no olvidaré porque fue la primera vez y recuerdo perfectamente que era agosto y me encantó. La segunda vez fue en la Casa de Cultura de Collado Villalba dentro del ciclo "Canciones al Filo". Fue un empeño personal conseguir que se contratara a Hilario (abría el concierto el cantautor diegoandres) y se le tratara de la mejor manera posible. Creo que despues de ese concierto dió solo uno o dos más; fue la última vez que le vi y hable con él.
R
AFA MORA
Para mi Hilario Camacho es un exponente de la canción de autor y una referencia imprescindible para los que nos dedicamos al arte de urdir canciones. Lo que más me gusta de Hilario Camacho es la forma sencilla de transimitir historias cotidianas con una sensibilidad excepcional. Empezé a escucharle hace muchos años pero realmente con el disco con el que me enganchó fue su directo de 1997...Es verdaderamente impresionante y por supuesto altamente recomendable!!!
Con qué canción me quedo??? Pues es complicado elegir una, tal vez con "Oye niña", aunque tengo mi pequeña complicidad personal con "Final del viaje" desde hace muchos años.
Y no, por desgracia no pude verle en directo...aunque le conocí personalmente hace tiempo y estuvimos charlando sobre su disco recién editado LUNÁTICO VENENO, y me comentó que a él le gustaba mucho el disco en directo de 1997 pero que mucha gente no sabía ni que existía.
En fin, una referencia musical fundamental!!!
ERNESTO BAQUERO
(...) mi camino se cruzó con el de Hilario, no recuerdo si por casualidad o por algún amigo común que nos presentó. Yo ya sentía admiración por él, sus bellas canciones y sus grandes recursos como cantante, y quiso el azar que yo estuviera interpretando una de mis primeras –e ingenuas- composiciones de un marcado estilo pop; su título no lo he olvidado: "Crimen Pasional". Recuerdo que se acercó y me preguntó si la había compuesto yo, y ante la respuesta afirmativa manifestó que le sorprendía, que era distinta y original y que le gustaba la melodía y la manera en que la acompañaba con la guitarra.
Ese fue el comienzo de una relación cercana e intensa y muy enriquecedora para mí. Con Hilario Camacho hice giras, fui el líder de su banda de directo, hice arreglos y producción de la banda sonora de la serie "Gran Ciudad" y también del álbum del mismo nombre que le siguió. Incluso quiso cantar un tema mío en dicho álbum, lo cual siempre me enorgulleció viniendo de un gran compositor como él.
Hilario fue un gran músico, un músico total: vocalista excepcional, compositor de talento, letrista incomparable, buen guitarrista, arreglista… aprendí mucho con él y de él y aún hoy noto su influencia en mi manera de hacer música.De su carácter se ha escrito mucho: independiente hasta el final, jamás hizo concesiones y su etiqueta de artista "maldito" le ha sobrevivido. Renunció al éxito multitudinario que sin duda merecía y por tanto a la recompensa social y económica. Muchos comprendimos y respetamos su actitud. Nuestros caminos se separaron, sólo lo vi unas pocas veces en los noventa y después no volvimos a encontrarnos. La noticia de su muerte me cogió con la guitarra en la mano e imaginando una canción; seguí en ello: pensé que sería el mejor homenaje para un gran artista que perdurará en nuestra memoria.
****
Antes de terminar este humilde homenaje a Hilario Camacho, quiero dar las gracias a Laura Martín, que está movilizando a través de facebook a todos los seguidores de Hilario para mantener viva su memoria y sobre todo sus canciones. He reservado para el final un artículo escrito por el cantautor sevillano Manuel Cuesta que podría aparecer perfectamente en cualquier periódico y que me parece hermosisísimo para terminar este homenaje a Hilario:
MANUEL CUESTA 
EL PESO DEL MUNDO ES AMOR
Me gusta pensar que a Hilario Camacho le invitaron a la clausura del Festival de Cine de Málaga en 2003 que se cerró con el segundo largometraje de Antonio Cuadri, Eres mi héroe. En los créditos de inicio del filme, cuando el protagonista está llegando a la vida, suena su canción "El peso del mundo" ("El peso del mundo es amor/ Bajo el caos de soledad/ Bajo el caos de insatisfacción/ el peso que llevamos es amor".), esa canción fue publicada en su disco "De Paso" en 1975. (El año en que yo nací, año de cambios políticos, no hace falta dar muchas explicaciones)
Eres mi héroe, es una película que en su día pasó prácticamente desapercibida y cuenta la historia de Ramón (Manuel Lozano) un chaval de trece años al que le toca vivir en la Sevilla de 1976. Un muchacho que sufre cambios continuos de ciudad debido a los traslados laborales de su padre, esta vez, se enfrenta a la edad más difícil, la adolescencia; los cambios físicos, pero también los cambios políticos que sufría España como telón de fondo.
Incluir "El peso del mundo" en una película con este argumento sin dudafue todo un acierto bien medido y calculado, Hilario Camacho grabó este tema de puro rock progresivo basándose en el poema "Aullido" (Howl, censurado durante un tiempo en Estados Unidos) del poeta Allen Ginsberg, muy querido por Bob Dylan, y que fue contemporáneo de poetas como Gregory Corso, Jack Kerouac y William Burroughs. Todos ellos formaban parte de la Generación Beat, aquellos poetas que defendían sobre todo la Libertad y la autenticidad.
Seguro que Hilario Camacho además de leer a Ginsberg tenía en las estanterías de su biblioteca libros de Walt Whitman y William Blake, y que en aquellos años de transición democrática en España cuando grabó "De paso", cuando murió Franco, cantaba a ese Nuevo Mundo que reclamó Ginsberg. "El peso del mundo" suena al mejor Rock andaluz de los Smash, suena a Triana, y por supuesto, recibe influencias de grupos legendarios a nivel internacional como King Crimson, Jethro Tull y Supertramp. Una verdadera joya. La voz de Hilario aporta a este estilo una sonoridad bucólica, creo que él supo como nadie introducir en él rock progresivo tintes de folk con guitarras eléctricas y sonidos llegados del Jazz y el Blues.
Una etapa de mi vida está marcada por "El peso del mundo" y por la película Eres mi héroe, después de verla en el Cine de Verano de la Diputación de Sevilla tuve que tomar serias decisiones en mi vida que me hicieron cambiar el rumbo de mi destino, como el protagonista, Ramón, ansío algún día volver a Sevilla. Si algún día veis esa película lo entenderéis.
Y a Hilario Camacho lo pude ver por casualidad, como no podía ser de otra forma, en La Carbonería en Sevilla. El cantautor madrileño vino a presentar su disco "Lunático veneno" a la Sala Grande. Ese concierto lo disfruté al lado de mi buen amigo Alfonso del Valle, para él, Hilario es también uno de sus referentes en su trayectoria musical y recuerdo que fue una noche muy especial, una delicia de concierto en acústico, directo y cercano.
Me gusta pensar que a Hilario Camacho le invitaron a la clausura del Festival de Cine de Málaga en 2003 y que se emocionó tanto como yo al escuchar su canción entre las primeras luces psicodélicas de Eres mi héroe, y que ése fuese el comienzo de una bella historia sobre la amistad y sobre los cambios de la transición política en España.
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sábado, 14 de agosto de 2010
sábado, 31 de julio de 2010
Steward Copeland - THE RHYTHMATIST
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Con la desintegración de "The Police", los miembros del grupo se vieron libres para satisfacer sus obsesiones musicales personales. Y así, mientras que Sting hizo una empresa muy lucrativa a trabajar con músicos de jazz (un paso lógico para un bajista) Stewart Copeland hizo la peregrinación de una batería a África.
La combinación de grabaciones de campo con el trabajo multi-instrumental de Copeland en un estudio asirio, hacen de "The Rhythmatist" una obra maestra en su género. Además, este álbum cuenta con una pelicula de las experiencias vividas por Copeland en este viaje a África.
El álbum y el film que lo acompaña, no hicieron mucho ruido en el mercado comercial, excepto entre los bateristas compañeros y fans de "The Police". Es muy común que este álbum sea estudiado por percusionistas, dado que tiene un tabajo increible de percusiones.
El álbum en su conjunto, se focaliza en el área de ritmo de tambores y percusión (como era de esperarse) mezclado con sintetizadores y sonidos africanos.
Los Coros de Ray Lema sobre la canción "Koteja", acompañando la percusión de Copeland y el video del film, generan un ambiente totalmente hipnótico.
Espero que lo disfruten tanto como yo.
Saludos, Mandos.
Autor: Stewart Copeland
Album: The Rhythmatist (1985)
Genero: Fusion/Jazz-Rock/World music
Formato: MP3
Calidad: 320 Kbps
Tracks:
01. Koteja (Oh Bolilla)
02. Brazzaville
03. Liberte
04. Coco
05. Kemba
06. Samburu Sunset
07. Gong Rock
08. Franco
09. Serengeti Long Walk
10. African Dream
THE RHYTHMATIST
Subido por Mandos_87
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miércoles, 21 de julio de 2010
Crisol de Músicas: Vinicius de Moraes
"Título original: Vinicius Dirección: Miguel Faria Jr. Guión: Miguel Faria Jr., Rubem Braga Interviernen: Chico Buarque, Edu Lobo, Gilberto ..."
http://vimeo.com/9386049
lunes, 5 de julio de 2010
TAJ MAHAL & TOUMANI DIABATÉ ''KULANJAN'' (MALI-NEW YORK) @ [128k-320k]
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TAJ MAHAL & TOUMANI DIABATÉ
''KULANJAN''
(MALI-NEW YORK) @
Toumani Diabate, de Bamako (Malí), toca la Kora, un arpa africana de 21 cuerdas. Su padre, Sidiki, fue el primero en tocar este instrumento como solista, y Toumani Diabate ha contribuido a su evolución introduciendo la Kora en nuevos contextos musicales a través de sus experiencias con músicos de flamenco y jazz. Además, ha desarrollado nuevas técnicas para improvisar melodías acompañando a otros instrumentos. Toumani Diabate también canta en este disco, demostrando sus excelentes cualidades vocales.Kulanjan
Taj Mahal & Toumani Diabate
Por Russell Farnsworth
Ese paralelo está inmejorablemente expresado en la carátula del disco Kulanjan, del estadounidense Taj Mahal y el africano Toumani Diabate. La imagen no la describo porque la pueden ver ilustrando esta reseña. Y, en oposición a los que opinan que reseñar un disco empezando por la carátula es de lo más superficial, digamos que una lectura a fondo de esa portada haría innecesario cualquier comentario, incluso éste.
Allí aparecen los dos instrumentos unidos en una sola música. Y el álbum parte precisamente de esa intención: acoplar por vez primera el punto de partida y el de llegada, la música milenaria de los griots y el blues moderno.
Taj Mahal representa el lado de acá, el blues actual. Para quienes no lo conozcan, se trata de uno de los artistas más originales de esta música hoy día; un neoyorquino inquieto cuya entrada al género se dio por intereses académicos y derivó en carrera discográfica. Toumani Diabate es, en cambio, heredero de una tradición musical de familia. En África, antes de conocerse la escritura musical, los cantos eran transmitidos por los padres a los hijos para impedir el olvido. Con su repertorio de muchos siglos, Toumani Diabate representa el lado de allá, lo ancestral.
En el encuentro radica el encanto de este disco. Pese a que investigadores como Samuel Charters ya habían aventurado teorías que conectaban al blues con la música de África occidental, nadie se había preocupado antes por hacerlos sonar a un mismo tiempo. Kulanjan puede convertirse entonces, desde lo musical, en la demostración de aquellas teorías. Cuando se unen el banjo y el halam —o la guitarra y la kora, o el piano y el balafon— la armonía impera y la conexión se hace evidente. Toumani Diabate afirma en las notas interiores del disco que "del blues he aprendido que tenemos una melancolía en común", y en esa sola frase resume los alcances de esta música.
Curiosamente, tanto Taj Mahal como Toumani Diabate ya habían efectuado grabaciones en donde la mezcla sonora era la premisa básica. En 1995 el músico estadounidense se alió con el instrumentista indio Narasimhan Ravikiran y lanzó el álbum Mumtaz Mahal (Water Lily 46), que es hoy considerado una bonita rareza. Aquél puede ser uno de los antecedentes de lo que hoy se escucha en Kulanjan: Taj Mahal mostraba, desde entonces, la intención de que su blues armonizara con músicas de otros rincones del mundo, y escogió algunas cadencias de la India para un primer experimento.
Años atrás, Toumani Diabate se había dejado fascinar también por las posibilidades de la fusión. Trabajando con el grupo flamenco Ketama, descubrió que cierto ritmo de Mali se acoplaba sin mucho esfuerzo a las "palmas" de la música gitana y emprendió el repertorio que hoy se escucha en el disco Songhai (Hannibal 1323).
Debido a esas experiencias previas, puede pensarse, la música emergió con total fluidez cuando Taj Mahal y Toumani Diabate se encontraron en el estudio de grabación. Previamente habían incursionado en la llamada "música del mundo": más que un género, un ejercicio de unificación de estilos. Y, por tanto, no sería difícil repetir la metodología, buscar hasta encontrar los elementos en común y luego, a partir de esas bases armónicas o rítmicas, ir creando sobre la marcha.
Pero es ahí precisamente donde afloran las diferencias, donde Kulanjan termina sobresaliendo entre muchos otros ejercicios de mezcla sonora. Sin negar en ningún momento su originalidad, Mumtaz Mahal apenas se sostenía en fragmentos de melodías: la "guitarra blues" lograba parecerse a la vina oriental, pero sólo por unos segundos. Iguales dificultades afrontaron los músicos participantes del proyecto Songhai: se solventó la necesidad de un ritmo común, pero nunca terminó de resolverse el problema —mucho más complejo a todas luces— de estructuras armónicas que difieren de un griot africano a un cantaor andaluz.
En cambio, al escuchar Kulanjan, uno descubre pasmado que la expresión es la misma. Las notas de la canción "Tunkaranke", por ejemplo, se inspiran en una base armónica tradicional que los africanos llaman "la tonada madre". Lo sorprendente es que esa tonada permite a los pasajes de blues encajar sin tropiezos. En dirección contraria sucede lo mismo: uniéndose a la guitarra que interpreta el "Catfish Blues", los instrumentos africanos complementan a la perfección esos tonos. E incluso a la hora de improvisar, Taj Mahal y Toumani Diabate se entienden maravillosamente. Construyen "Fanta" basándose en coincidencias entre los ritmos festivos de Mali y el rock and roll, que para los estudiosos no es más que un blues acelerado.
Habrá diferencias en cuanto a los instrumentos que se tocan o el idioma en que se canta, pero no en cuanto a lo puramente musical. Y no es para menos, si se trata de estilos que hoy se encuentran separados por motivos geográficos, nunca culturales. Otros discos podrán exhibir ingeniosas mezclas partiendo del concepto —tan en boga y tan maltratado a veces— de la fusión. Kulanjan surge, en cambio, de una intención mucho más honda. Se trata, para utilizar las mismas palabras de Taj Mahal, de "cerrar el círculo": dar por finalizado un ciclo natural de variaciones sobre un tema africano e interpretar, al cabo de cinco siglos, el aria final.
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DAVE HOLLAND & PEPE HABICHUELA ''HANDS'' (UK-ESPAÑA,2010) @ [320k]
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Gracias al amigo Metamorphosen!
DAVE HOLLAND & PEPE HABICHUELA
''HANDS''
(UK-ESPAÑA,2010) @
"La música se aprende con el corazón, no con las partituras". De esta convicción surge el trabajo discográfico que han creado el guitarrista flamenco Pepe Habichuela y el contrabajista de jazz Dave Holland.
'Hands', que sale a la venta el 8 de junio, es el resultado de tres años de encuentros en vivo entre ambos músicos y sus respectivas músicas.
A partir de entonces, este 'Flamenco project' fue fluyendo por distintos festivales y escenarios, entre ellos, el ciclo Contrastes en Jazz 2 de Madrid y el Festival de Jerez 2009.
Y ahora este repertorio de diez temas originales al compás de bulerías, soleares o mineras, que vienen interpretando con Josemi Carmona, Carlos Carmona, Piraña y Bandolero, se edita y vuelve a salir de gira.
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El guitarrista flamenco Pepe Habichuela y el bajista de jazz Dave Holland publican el disco 'Hands'
Los músicos giran su 'Flamenco Project' por Europa en julio y agosto de 2010
Flamenco-world.com, mayo de 2010
"La música se aprende con el corazón, no con las partituras". De esta convicción surge el trabajo discográfico que han creado el guitarrista flamenco Pepe Habichuela y el contrabajista de jazz Dave Holland. 'Hands', que sale a la venta el 8 de junio, es el resultado de tres años de encuentros en vivo entre ambos músicos y sus respectivas músicas. Todo comenzó en el Teatro Central de Sevilla, en el marco del ciclo Jazz Viene del Sur 2007, donde improvisaron su primer concierto mano a mano tras ser presentados por Mario Pacheco. A partir de entonces, este 'Flamenco project' fue fluyendo por distintos festivales y escenarios, entre ellos, el ciclo Contrastes en Jazz 2 de Madrid y el Festival de Jerez 2009. Y ahora este repertorio de diez temas originales al compás de bulerías, soleares o mineras, que vienen interpretando con Josemi Carmona, Carlos Carmona, Piraña y Bandolero, se edita y vuelve a salir de gira. Durante este verano el directo de 'Hands' sonará en ciudades europeas como Londres, Niza, Rotterdam o Salzau, además del Festival Jazzaldia de San Sebastián.
Fuente
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Dave Holland & Pepe Habichuela Flamenco Quintet (feat. Josemi Carmona)+Chano Dominguez Flamenco Qtet
Jazz-meets-flamencoAn audacious jazz-meets-flamenco double bill featuring a new collaboration from bass virtuoso Dave Holland and flamenco guitarist Pepe Habichuela, plus flamenco pianist Chano Dominguez and his fiery flamenco group.
UK-born bassist and bandleader Holland has been performing and recording for five decades, and has lived in the United States for 40 years after famously being discovered by Miles Davis while performing at Ronnie Scott's. His works range from pieces for solo performance to big band scores; Pathways, the debut recording of Holland's octet, is released in March 2010.
Joining Holland will be flamenco guitarist Pepe Habichuela, part of one of the great flamenco dynasties, the Habichuelas. His adventurous spirit also saw him depart from narrow conceptions of flamenco to play with free jazz legend Don Cherry; he has also experimented with fusing flamenco and classical Indian music, a development that was born from a project with Nitin Sawhney and which has taken shape in the CD Yerba Güena.
Fuente
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domingo, 13 de junio de 2010
Willie Nelson - Willie And The Wheel [Usa]
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Personnel: Willie Nelson (vocals); Ray Benson (vocals, acoustic guitar, electric guitar); Jason Roberts (vocals, mandolin, electric mandolin, fiddle); Elizabeth McQueen (vocals); Sam Seifert (acoustic guitar); Vince Gill (electric guitar); Eddie Rivers (steel guitar); Jonathan Doyle (clarinet); Dave Alexander (trumpet); Michael Mordecai (trombone); Paul Shaffer, John Michael Whitby, Floyd Domino (piano); Dave Miller, Kevin Smith (bass guitar); David Sanger (drums); Peter Schwarz .
2 Sweet Jennie Lee
3 Fan It
4 I Ain't Gonna Give Nobody None O' This Jelly Roll
5 Oh! You Pretty Woman
6 Bring It On Down To My House
7 Right Or Wrong
8 Corrine Corrina
9 I'm Sittin' On Top Of The World
10 Shame On You
11 South (featuring Paul Shaffer and Vince Gill )
12 Won't You Ride In My Little Red Wagon
Willie And The Wheel
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Vinicius+Bethania+Toquinho - En la Fusa (Mar del Plata) [Brasil]
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Maravilla de tres músicos, lanzado por el sello Trova grabado en los Estudios ION S.A en Febrero de 1971. Una belleza auditiva que debe ser disfrutada con una bebida y una buena compañia. Amigos, Vinicius+Bethania+Toquinho en La Fusa de Mar del Plata. Que lo disfruten.
Artista/Artist Vinicius de Moraes, Maria Bethania, Toquinho
Album En la Fusa (Mar del Plata)
Año/Year 1971
Pais/Country Brasil
Bitrate 320
Lado 1: 1 A Tonga da Mironga do Kabulete, 2 E de Manha, 3 Samba da Rosa, 4 Testamento, 5 Samba da Bençao
Lado 2: 6 Tarde em Itapoan, 7 Viramundo, 8 Apelo (con el "Soneto de Separación"), 9 Como dizia o poeta, 10 O que tinha de ser, 11 O dia da Criaçao
Vinicius+Bethania+Toquinho - En la Fusa - subido por taraletti
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Derek Bell - Ancient music for the irish harp [Irlanda del Norte]
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Derek Bell (George Derek Fleetwood Bell: Belfast, Irlanda del Norte, 21 de octubre de 1935 - Phoenix, Arizona, 17 de octubre del 2002): músico irlandés; arpista, dulcimerista, oboísta y compositor.
A edad muy temprana se le diagnosticó erróneamente una enfermedad que lo habría de llevar a la ceguera, así que sus padres resolvieron darle una instrucción musical. Bell era una especie de niño prodigio, y compondría su primer concierto a los 12 años.
Se graduó en el Royal College of Music en 1957. En esa época, se había hecho amigo del flautista James Galway.
Entre 1958 y 1990 compuso varias obras de música clásica; entre ellas:
* 3 sonatas para piano.
* 2 sinfonías.
* "Tres imágenes de Irlanda en el tiempo de los druidas" ("Three Images of Ireland in Druid Times"), para arpa, cuerda y timbales (1993).
* " Nocturno sobre una melodía islandesa" ("Nocturne on an Icelandic Melody"), para oboe de amor y piano (1997).
* "Tres estudios de concierto trascendentales" ("Three Transcendental Concert Studies"), para oboe y piano (2000).
Bell dominaba diversos instrumentos: varias clases de arpa, el clavecín, el cimbalón, el piano y todos los miembros de la familia moderna del oboe: el oboe pícolo, el oboe soprano, el oboe de amor, el corno inglés, el oboe bajo) y el heckelfón.
El empleo del dulcímer de macillos está bien documentado en lo que concierne a la Irlanda del s. XVIII. James Joyce (1882 - 1941), además, lo cita como instrumento callejero que oía en su tiempo.
Derek Bell comenzó a tocar un pequeño cimbalón al que llamó tiompán, como el correspondiente irlandés del medievo.
Al ser el administrador de la Orquesta Sinfónica de Belfast, le correspondía el mantenimiento de los instrumentos y conservar su correcto afinado. Llevado por la curiosidad, pidió a Sheila Larchet-Cuthbert que le enseñara a tocar el arpa. Con el tiempo iría teniendo muchos profesores de ese instrumento, y llegaría a ser oboísta y arpista de la BBC Northern Ireland Orchestra en 1965.
El Día de San Patricio de 1972, Bell actuó en la radio tocando música de Turlough Carolan, arpista ciego irlandés del s. XVIII. Por entonces, la música de Carolan era prácticamente desconocida, a diferencia de hoy, en que casi en cada disco de arpa irlandesa aparece alguna pieza suya.
En aquella ocasión, había trabajando con Derek varios miembros de The Chieftains. Bell se hizo amigo del director, Paddy Moloney. Durante un par de años, Derek grabó con la BBC Northern Ireland Orchestra y también con The Chieftains, hasta que en 1975 se hizo miembro de este grupo a tiempo completo.
Desde principios de los 60, Bell era amigo de Swami Kriyananda, que no era otro que J. Donald Walters, también inquieto compositor de música para arpa irlandesa, y - por su parte - discípulo de primera mano de Paramahansa Yogananda.
Bell y otros amigos visitaron a Kriyananda en su aldea, fundada como centro espiritual: Ananda village, en Nevada City, California. Bell escribió un prefacio para el libro de Kriyananda "El arte como un mensaje oculto" ("Art As a Hidden Message"). Éste es un extracto del prefacio: "Cuando leí el libro, quise conocerlo [...] fui varias veces a Ananda, la hermosa aldea fundada en 1968 por el propio Kriyananda [...] le propuse grabar música suya".
Eso explicaría la gran diferencia que hay entre la música del álbum "Mystic Harp. Vol II" y el resto de las grabaciones de Derek Bell. El disco, que tuvo una tibia acogida tanto entre la afición de la música clásica como entre la de la tradicional, es una colección de composiciones para arpa sola de Kriyananda (Walters) en un estilo muy de la nueva era. En agosto del 2002, un par de meses antes de morir de un paro cardíaco, Bell fue a visitar a Kriyananda por última vez.
(Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Derek_Bell)
Pistas:
01. Lonesome & An Páistín Fionn (Sean Potts, Traditional)
02. Untitled Air & Thomas a Búrca (Traditional)
03. Reminscenes of Seán Ó Riada (Seán Ó Riada, Traditional)
04. Untitled Air & Colonel O'Hara (Traditional)
05. Little Molly O Love in Secret (Traditional)
06. A Soft Mild Morning (Traditional)
07. Wexford Bells (Traditional)
08. Lady Blaney (Traditional)
09. Within a Mile of Edinburgh Town (Traditional)
10. An Buachaill Caol Dubh (Traditional)
11. The Lady Iveagh & Black Rose Bud (Traditional)
12. The Dawning of the Day & Green Woods of Tragh & Captivating Youth (Traditional)
13. Carolan's Devotion (Miss Fetherston) & Mrs. Crofton (Traditional)
14. Úr Chill A' Chreagán Donn & An Fial Athair Dónal (Traditional)
15. Lullaby & Bardic Hornpipe (Traditional)
16. Harp Serenade & Paraguayan Dance in G (Sergid Cuevas, Traditional)
17. Dances from the Quechua Indians (Traditional)
DEREK BELL
Album a 192 kbps + portadas
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viernes, 11 de junio de 2010
Refugios del Jazz
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¿Dónde tocan los músicos? En las calles, en los estudios de grabación, en teatros, auditorios, estadios, coliseos y, afortunadamente, en bares. Cada espacio tiene su propio carácter, incluso su propia magia, con mayores o menores cualidades, con más o menos público, que preste mucha o poca atención, pero es indiscutible que un bar, con jazz en [...]Cosas que puedes hacer desde aquí:
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